La nueva película de Lukas Dhont explora la masculinidad y la resistencia a la violencia en el contexto de la guerra

Lukas Dhont inicia su película mostrando la inocencia y la energía de un grupo de jóvenes antes de la guerra. La cámara recorre el rostro de Pierre, se desplaza hacia sus compañeros —todos llenos de júbilo— y vuelve a él. El viaje en tren hacia el campo de batalla trae consigo un destino sin retorno: la destrucción física y psicológica de los protagonistas. Pronto, el relato da paso a la llamada “tropa de los rechazados”, un grupo integrado por aquellos heridos en combate que, al ya no poder luchar, asumen el rol de entretener a los demás combatientes. Pierre, en medio de este escenario marcado por el dolor, señala de cobardes a unos desertores pero, poco a poco, sus miradas se orientan hacia otros horizontes: el arte, el teatro, el baile, alternativas que revelan una vía diferente a la enfrentación directa.

El montaje, según la narración, se erige como una herramienta poderosa, pues transporta al espectador del bullicio alegre de los soldados a la crudeza de la guerra, donde cargar heridos y enterrar muertos es parte de la rutina. Con apenas unos planos, Dhont representa la pérdida abrupta de la inocencia, como cuando una bala alcanza a un soldado y todo se baña de sangre. La película retrata también cómo los enemigos solo existen en el espacio invisible, el “off”, mientras que el verdadero conflicto ocurre en el interior de cada personaje.

La obra explora el concepto de la masculinidad, exponiendo a soldados que buscan reafirmar su hombría a través del sacrificio y el temple, elementos tradicionales de los “héroes”. Sin embargo, Dhont introduce un romance y momentos de musicalidad que desafían esta visión. Francis, un personaje ambiguo y magnético, aparece interpretando a una mujer embarazada y enseñando a bailar. Su feminidad lo protege entre la violencia y florece como resistencia.

La relación entre Pierre y Francis se desarrolla en secreto, en un escenario marcado por el miedo y el juicio. El “backstage” se convierte en el refugio donde ambos pueden imaginar un futuro sin represalias. Según lo expuesto, los detalles de sus encuentros están cargados de gestos sutiles y emociones contenidas, mientras el mundo exterior se debate entre el ruido bélico y la represión.

Una escena clave muestra a Francis acosado en una presentación, y Pierre lo defiende usando el humor, evidenciando la fragilidad de la masculinidad hegemónica. El desenlace plantea una disyuntiva: ¿la huida de Francis es traición, rescate o amor? El cierre sugiere que la felicidad puede encontrarse lejos de los cánones tradicionales, en una montaña donde la “cobardía” es sinónimo de libertad.

Este artículo fue curado con apoyo de inteligencia artificial.

¿Cuál es el mensaje principal de la nueva película de Lukas Dhont sobre la masculinidad y la guerra?

El mensaje central que presenta la película, según lo analizado en el texto proporcionado, es una reflexión sobre la masculinidad en tiempos de guerra y la resistencia del arte y el amor en medio de la violencia. Lukas Dhont muestra cómo los protagonistas encuentran en el teatro y en su relación secreta un refugio frente al conflicto y la represión, cuestionando así los moldes tradicionales de la hombría.

¿Por qué la relación entre Pierre y Francis se mantiene en secreto en la trama de la película?

De acuerdo con la información expuesta, la relación entre Pierre y Francis se desarrolla en secreto debido al contexto marcial y a los modelos represivos de masculinidad que imperan en el pelotón. El “backstage” se convierte en el único lugar donde pueden manifestar su afecto, ya que cualquier muestra pública de su amor sería objeto de juicio y sanción por parte de sus compañeros y superiores.